Due settimane fa Luigi ci ha lasciato.
Ho avuto modo di conoscerlo personalmente un anno fa, e di conversare piacevolmente per qualche ora con Lui: era una persona di grande capacità, sensibilità, generosità e cultura: qualità che di rado si incontrano congiuntamente in un essere umano.

In accordo con la famiglia di Luigi, questo blog continuerà: il Maestro ha lasciato molto materiale, che verrà pubblicato nei prossimi mesi.

Il Blogmaster.

Come promesso, ecco il video del mio intervento alla rassegna:

Un ringraziamento a Samuele Zanframundo, per aver messo a disposizione di questo blog le riprese filmate.

Il Centro Sperimentale di Cinematografia presso la Cineteca Nazionale ha organizzato una bellissima rassegna di vecchi film degli anni settanta.
Due giornate a me dedicate, da domenica 24 maggio a martedì 26.

La sera del 24 ho rivisto insieme alla mia famiglia, ai miei amici e al pubblico il film che inaugurava la rassegna: “Due Marines e un generale” . Grande sorpresa in sala quando ho visto entrare tutta la famiglia Umiliani al completo. La moglie di Piero , Stefania, si è seduta accanto a me, e ci siamo goduti questo film sul grande schermo che, anche a distanza di quarant’anni regge benissimo soprattutto per la magico presenza del grande Buster Keaton.

Rivedere poi Blue Nude, il 26, che chiudeva la rassegna, dopo circa 32 anni mi ha dato una grande emozione e una forte commozione. Era un film crudo e realistico. Mi è passata davanti agli occhi una New York caotica, spietata e confusa, che non avevo mai visto prima al cinema. Una New York lontanissima da quella delle cartoline e dei turisti. Non un’inquadratura dell’Empire State Building, o della Statua della Libertà ma solo quartieri e zone poco conosciute e sfruttate dalle cineprese.
A distanza di 32 anni l’ho trovato un film innovativo, girato veramente bene, quasi sempre con la camera a mano.
Gerardo Amato perfetto nel suo ruolo. Peccato che non abbia avuto quel successo che meritava…

La piccola sala del Cinema Trevi era piena di giovani interessati a questo genere e anche qualche critico, che si stupivano di vedere dopo così tanto tempo un film del genere… peccato! Meritava molto di più al botteghino.

La mia emozione era condivisa con gli altri spettatori che si congratulavano con me per aver portato alla rassegna un film di questo genere. Gli altri film presentati (Due Marines e un generale, Svezia Inferno e Paradiso, Angeli Bianchi Angeli Neri, La ragazza Fuoristrada e Il Corpo) hanno avuto un buon successo ma, la “creatura” che ha sofferto, lasciatemelo dire di più, è proprio Blue Nude, il mio ultimo film.

Un ringraziamento speciale e particolare a Domenico Monetti che ha organizzato questa rassegna presentando egregiamente i miei film con un occhio attento e particolare e con un’analisi introspettiva, che mi ha veramente colpito.

Il mio intervento del giorno 26 è stato filmato: spero di poterlo inserire presto nelle pagine di questo blog.

Il Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale ha organizzato una rassegna di alcuni miei film:

 ”Angeli bianchi e diavoli neri: il cinema contro(verso) di Luigi Scattini”
Il cinema di Luigi Scattini, giornalista, documentarista, produttore, e infine dialoghista e direttore di doppiaggio.

Domenica 24 Maggio 2009
        ore 17.00 – Due marines e un generale (1966)
        ore 19.00 – Svezia, inferno e paradiso (1968)
        ore 20.45 – Angeli bianchi… angeli neri (1969)

Martedì 26 Maggio 2009
        ore 17.00 – La ragazza fuoristrada (1973)
        ore 19.00 – Il corpo (1974)
        ore 20.45 – Blue nude (1977)

La rassegna si terrà presso:
Cinema Trevi – Cineteca Nazionale
Vicolo del Puttarello 25
Roma
Tel: 066 781206

Per ulteriori informazioni cliccare qui

Scheda del Film:

Sinossi:
Rocco Spinone, un giovane italiano che vive in America, per sbarcare il lunario si presta a qualunque genere di lavoro, compreso quello di attore in film porno, attività che esercita la sua amica Lilly (Susan Elliot) della quale presto lui si innamorerà. Perseguitato da un poliziotto nemico degli immigrati, che lo accusa di aver avuto un rapporto con una ragazzina minorenne, il giovano è costretto a pagare una grossa cifra a lui e al padre della minore. Intanto la sua amica muore sul set girando una scena troppo violenta. Rocco si vendica del regista senza scrupoli e uccide anche il poliziotto e il padre della minorenne  che stavano attuando, usando la ragazza, lo stesso sporco ricatto nei confronti di uno sprovveduto.

Note del Regista:
Ultime notizie della notte:
Durante una ripresa di un film porno, un’attrice, ancora sconosciuta, è stata uccisa per rendere più realistica la scena hard. Una fatalità? Un’estrema violenza? Chi era la vittima? Perché è stata uccisa? Chi era il partner?
Per avere una risposta a questi e altri interrogativi, al di là della notizia della cronaca, c’è la scoperta di un mondo crudele, spietato. Oltre ogni immaginazione. E’ stato molto difficile superare questa barriera, ma alla fine ci siamo riusciti.

Nasce così Blue Nude, il film sulla pornografia americana…il film dell’assurdo.
Ho amato molto questa pellicola. Forse è il film a cui sono rimasto attaccato più di ogni altro. Un film coraggioso, girato tutto a New York per la strada, dal vero. . Ho pedinato incessantemente, macchina a mano e luci crude, il vagabondaggio del protagonista Rocco Spinone in una città squallida, fredda e al neon, fatta di pulciosi cinemini a luce rossa e soffocanti bilocali.

Il partner giusto, questa volta, mi parve Gerardo Amato, fratello del più celebre Michele Placido, giovane, aitante, bruno e bello. Quel tanto che serviva per interpretare nella maniera giusta la figura dell’emigrante italiano negli anni settanta. L’attrice invece, era una diva del pornofilm americano, Susan Elliot, conosciuta nell’ambiente hard come Suzanne McBain.

A New York c’era tutto il necessario per girare questo film. La città stessa era uno splendido set. E i luoghi, i veri luoghi dove si giravano i film porno, erano a mia disposizione.
La cosa più interessante era la ricostruzione di questo ambiente, fatta con gli attori veri come Wade Nichols e Al Levitski . Nomi che ai più non dicono nulla ma che in quegli anni erano molto famosi nell’ambiente porno. Anche il regista hard Carter Stevens ha fatto un piccolo cameo come attore nel film. Ed è grazie a lui che mi ha seguito anche nella produzione del film e a Bob Schneider, direttore di produzione, che sono riuscito ad entrare nell’ambiente del film porno americano, dove nessuno era ancora entrato… Durante la fase di pre-lavorazione del film, quando ero alla ricerca delle locations giuste, mi hanno accompagnato sul set di questi film per farmi avvicinare piano, piano a questo mondo. E i set non erano altro che squallidi appartamenti dove si giravano metri e metri di pellicola.

E io ho girato il film con l’occhio attento del documentarista. Ho cercato di descrivere al meglio il mondo delle luci rosse.
Abbiamo fatto indubbiamente delle esperienze molto interessanti anche se a volte nascevano spontanee delle domande che restavano senza risposta.
C’era una tale disinvoltura nell’affrontare le situazioni più spinte e imbarazzanti da parte degli attori che dopo poche ore tutta la troupe si muoveva con estrema sicurezza avendo superato qualsiasi remora.
Tutto questo durava il tempo delle riprese. Finite le riprese, tutti lasciando il set, riprendevano i modi che avevano nella vita normalmente. C’era la madre di famiglia, il bravo ragazzo che faceva anche il parrucchiere e tanti uomini e donne della porta accanto.

Mescolando tutte queste situazioni nasce Blue Nude.
Un ragazzo italiano parte per New York. Non è l’emigrante di una volta. E’ un giovane preparato, colto ma sempre alla ricerca di nuove esperienze e perché no, anche di fortuna.
Poi, attraverso avventure più o meno fortunate capita nel mondo del porno. Un mondo crudo, ma anche molto affascinante.
Qui conosce una ragazza, la regina del porno, che conduce una doppia vita, sul set pronta a qualsiasi esibizione, nel quotidiano, buona madre di famiglia, innamorata della sua bambina e un po’ timida.
Nasce una storia d’amore fra i due che poi finirà tragicamente.

Con Jill Turner, Benito Frattari e Gianna De Michele

Dicono che questo film abbia anticipato il più noto Hardcore di Paul Schrader, uscito circa due anni dopo nella sale cinematografiche. Io in quel periodo avevo in mente Un uomo da marciapiede e Taxi driver, a cui il film spesso fa riferimento (vedi ad esempio il poster nella stanza di Rocco…)
Ancora oggi ricordo la scena finale del film che fu girata con una tale veridicità e drammaticità che restammo tutti in un profondo silenzio, durante un rapporto molto spinto….estremo…che portò alla morte (nella finzione) della pornodiva.
E qualcosa di quell’amaro ci rimase in bocca.

Susan Elliott, Ezio Frattari e mia moglie Dianella

Questo accadeva a New York City, nell’anno 1977. Probabilmente sarebbe stato anche l’ultimo ciak su questo sporco mondo meraviglioso… Addio Peter, vittima del Talidomide, addio amici meravigliosi….. Ma non lasciamoci prendere troppo dalla malinconia…
Di lì a poco un altro lavoro mi avrebbe aspettato. Traduzioni, dialoghi, adattamenti, direzione di doppiaggio di alcuni dei più bei film di questi ultimi trent’anni di storia del cinema. Tanti, più di 200, alcuni molto belli e importanti diretti dai più famosi registi di tutto il mondo. Anche lì, molti riconoscimenti. Alcuni premi.
Ma questa è un’altra storia… 

Con mia moglie, durante il montaggio del film

Ancora una volta la colonna musicale fu affidata a Piero Umiliani che per questo film scrisse e compose alcuni pezzi di musica jazz, un genere a lui molto caro e che lo riportava al suo primo grande film: I Soliti Ignoti. Collaborarono con lui agli arrangiamenti, alcuni dei più grandi jazzisti amici di Piero e un gruppo di giovani musicisti romani (tra cui Giancarlo Neri, oggi famoso per le sue opere d’arte e per le sue installazioni nelle più grandi città) che composero alcune ballate country americane.
Questa, a mio avviso, è una delle colonne sonore più belle nel genere jazz ed è un vero peccato che oggi sia introvabile. Infatti, il disco non fu mai pubblicato e di questa incisione non è rimasto più nulla.
Peccato, perché ne valeva veramente la pena!

Il film non andò bene in Italia. Purtroppo la distribuzione Euro International, fallì proprio quando il mio film uscì nella sale cinematografiche e quindi fu un massacro. Poche copie, ritirate dopo poco.
Blue Nude a suo tempo non fu accettato molto bene dalla critica, ma il bello di questo lavoro è che se uno riesce a fare quello che desidera e preferisce, dopo è anche giusto che ne debba subire le critiche o il plauso. Oggi, a distanza di parecchi anni, giovani critici lo stanno rivalutando. Ogni tanto mi chiamano per qualche intervista e qualche anno fa il film è uscito anche in VHS. Ma la qualità era veramente pessima…

Ora a maggio lo proietteranno a Roma in occasione di una rassegna a me dedicata. Gli organizzatori mi hanno detto di aver trovato una copia in buono stato. Sicuramente sarò in sala. Chissà che effetto mi farà a distanza di così tanti anni…

Scheda del Film:

Sinossi:
I nuovi assicurati di una grande compagnia muoiono uno dopo l’altro, misteriosamente. La società incarica Fred Lester, uno dei suoi agenti più abili, di scoprire cosa stia succedendo. L’investigatore si mette sulle tracce dei cadaveri e aspiranti tali, inseguendoli per mezzo mondo e avendo il suo daffare per difendersi da una misteriosa organizzazione che vorrebbe eliminarlo. Insieme alla figlia di una delle vittime, Fred scopre una verità inaspettata. Era il capo dell’assicurazione, la persona che muoveva astutamente la crudele organizzazione e che si appropriava di ingenti somme di denaro, costringendo le vittime ad assicurarsi sulla vita e sopprimendole, subito dopo, senza che alcuno sospettasse il delitto (Morandini)

Note del Regista:
1962: esplode anche in Italia il “bondismo”. Le sale cinematografiche sono stracolme di spettatori, affascinati dalle meravigliose avventure di Sean Connery che veste per la prima volta i panni di James Bond.
Visti i risultati positivi, gli incassi ai botteghini, anche il cinema italiano si butta nella mischia e inizia a girare decine di film nella speranza che l’Agente segreto colpisca, risolvendo gli eterni problemi che affliggono l’industria cinematografica da sempre.

Anch’io, come tanti altri registi italiani, ho girato in quel periodo un film di spionaggio “Duello nel Mondo”, firmandolo con lo pseudonimo di Arthur Scott. Un nome esotico che potesse facilitare le vendite all’estero del film. Storia di un poliziotto e un malvivente che si inseguono per tutte le parti del globo.
Con questo film infatti, girai veramente dappertutto; Brasile, Inghilterra e Cina, e per compagni ebbi due grandi attori quali Bernard Blier e Giacomo Rossi Stuart (con lo pseudonimo di Jack Stuart) , il padre di Kim Rossi Stuart . E poi anche un giovanissimo attore di Hollywood, Richard Harrison, che ricordo sempre con molto affetto e stima per la sua disponibilità a collaborare. Richard era famoso in quegli anni in Italia per aver girato diversi film di genere. Accanto a loro, due bellissime donne: nella prima parte del film la sensuale Dominique Boschero e nella seconda, l’affascinante Hélène Chanel, col nome di Sheryll Morgan.

Una delle scene più spettacolari la girammo al Tiger Balm Gardens Park a Hong Kong. Il parco era disseminato di strani mostri coloratissimi fra i quali ambientai diversi duelli. La proprietaria di questo posto era una cinese, donna molto importante e ricca, che girava in città in limousine con autista. Era come molti cinesi impenetrabile, ciò nonostante simpatizzammo e mi aiutò ad avere permessi e a girare appunto nel parco, che era di sua proprietà.

Purtroppo però le cinque scatole di girato non arrivarono mai a Roma: gli ultimi giorni c’erano stati alcuni dissapori con un cinese che ci faceva da guida e che lavorava per lei e, nel salutarci in aeroporto, si congedò parlando nella sua lingua con una strana luce negli occhi. Suggestione o verità ? Quel che è certo la pellicola non arrivò e, non avendo a disposizione il girato a cui tra l’altro tenevo particolarmente, dovemmo rigirare completando le scene…indovinate dove? …Al giardino zoologico di Roma (oggi Bioparco), ove incredibile a dirsi, alcune rocce dove vivevano i leoni erano abbastanza simili a quelle che avevo lasciato a Hong Kong.

Nella scena era previsto che Giacomo Rossi Stuart colpito da un colpo di karate, precipitasse da una roccia. La sfortuna volle che nonostante avesse un fisico allenato e muscoloso, la roccia lo tradisse. E così scivolò fratturandosi il naso, il bel naso di Giacomo. Per fortuna era l’ultimo giorno di lavorazione, il film era finito, la maledizione del cinese di fatto, aveva procurato pochi danni e il sacrificio di Giacomo non fu vano !

Il film uscì in Italia nell’autunno del 1966 non andò benissimo ma fu venduto in molti paesi all’estero, in alcuni dei quali fece degli ottimi incassi.

Come produttore esecutivo ho realizzato due film di altissima qualità:  Fatti di gente perbene e  Divina Creatura:

FATTI DI GENTE PERBENE venne girato interamente a Bologna nel 1974. Tra gli interpreti: una splendida Catherine Deneuve, Giancarlo Giannini in una delle sue migliori performance, Fernando Rey, Marcel Bozzuffi, Rina Morelli, Giacomo Rossi Stuart e piccola curiosità, una prima apparizione di Kim Rossi Stuart, figlio di Giacomo e  di Monica Scattini, mia figlia.

La regia fu affidata al grande Mauro Bolognini. Una sceneggiatura forte, piena di colpi di scena che si rifaceva a fatti realmente accaduti all’inizio del secolo: il processo alla famiglia Murri, una delle più in vista a quei tempi, stravolta dallo scandalo per l’omicidio del conte Francesco Bonmartini, marito di Linda Murri, trovato martorizzato da tredici coltellate. Inizialmente viene accusata la cameriera (una bellissima e controversa Tina Aumont, figlia dell’attore Jean Pierre Aumont), ma dopo pochi giorni viene fuori la verità. E’ lo stesso Augusto Murri, capofamiglia, a denunciare il figlio quale autore del delitto, sospettato di avere un rapporto incestuoso con la sorella.

La città di Bologna, dove ambientammo e girammo il film, con la solita generosità si mise tutta a disposizione della produzione dandoci accesso ai luoghi più belli e alle ville più belle. Tutto fu ricostruito nei minimi dettagli e il risultato fu un film molto emozionante, che riscosse un notevole successo di critica e di pubblico.

La pellicola infatti ottenne il David di Donatello quale miglior film dell’anno, premio che ci fu consegnato nella splendida cornice di Taormina, in una calda serata estiva di un lontano luglio del 1975.

Le riprese durarono diversi mesi e sul set si era creata un’atmosfera molto piacevole. Tutti bravi, tutti professionisti. Alloggiavamo in un bellissimo albergo al centro di Bologna, vicino alla stazione e spesso, alla sera, finivamo tutti insieme a mangiare.

In quel periodo l’amore fra Catherine Deneuve e Marcello Mastroianni era all’apice, stavano insieme da tre o quattro anni e quindi, appena poteva, l’attore prendeva l’aereo da Parigi e la raggiungeva. Gli piaceva molto venire sul set e osservarla mentre recitava. Gran bella coppia! Lei, molto elegante e un po’ fredda. Lui, con quella sua solita aria sorniona, un po’ distaccato e un po’ malinconico, suscitava sempre grandi emozioni quando arrivava.

DIVINA CREATURA fu girato l’anno successivo, nel 1975. Un film indubbiamente più contrastato. Gli attori Terence Stamp e Laura Antonelli, allora di una bellezza imbarazzante, non erano tra i più facili da gestire. E poi ancora, Marcello Mastroianni, Duilio Del Prete, Ettore Manni, Michele Placido, Marina Berti e tanti altri.
Tratto dal romanzo La Divina Fanciulla del 1920 di Luciano Zuccoli, il film raccontava la rovente storia d’amore e di morte di una arrampicatrice sociale (Laura Antonelli), sedotta a quindici anni da un nobile che la avvia alla prostituzione e contesa tra due cugini dei quali lei si fa gioco. Il tutto ambientato nell’alta società della Roma anni venti.

Anche in questo film, ambienti ricercatissimi sontuosamente arredati, una confezione elegante in ogni inquadratura, quasi maniacale e ossessiva nella ricostruzione degli particolari, dai fiori sempre freschi sui tavoli che venivano cambiati anche più volte al giorno, ai tessuti preziosissimi, agli oggetti di antiquariato.
Diretto del grande maestro Peppino Patroni Griffi, con una bellissima fotografia di Giuseppe Rotunno e Massimo di Venanzio e una colonna sonora diretta da Ennio Morricone.

Un film che all’epoca costò tantissimo, sforando ogni previsione di budget e mettendo in difficoltà la produzione.

Quando uscì poi nella sale cinematografiche fu tanto discusso e stroncato da alcuni critici soprattutto per l’interpretazione della Antonelli. Solo oggi, a distanza di tanti anni e dopo la recente scomparsa di Peppino, il film sta raccogliendo il riconoscimento che merita.

Il Film ottenne un NASTRO D’ARGENTO (1976) PER MIGLIORE SCENOGRAFIA E COSTUMI

Alcune critiche dell’epoca:
Patroni Griffi è regista disuguale. Affascinato, come sempre, dalle ambiguità sentimentali venate di pieghe crudeli, e da ambienti sociali putrescenti, stalvolta ha firmato un film di facciata, dove l’equivoco è più nei comportamenti che nei caratteri, e la denuncia ha modi convenzionali. (Giovanni Grazzini – ‘Cinema ’75′).

Patroni Griffi ha scoperto in Zuccoli perfino un vago femminismo avanti lettera e l’ha sottolineato, risparmiando alla protagonista la brutta fine che fa nel romanzo. (…) Ma il merito del regista, al di là di una cornice ambientale e musicale impeccabile, sta nell’aver rivisitato il suo autore con misurata ironia (…) e di averna storicizzato l’estenuata problematica sentimentale sospingendola sull’orlo del baratro fascista.  (Tullio Kezich, ‘Panorama’, 6 novembre 1975)

Scheda del Film:

Sinossi:
Un archeologo statunitense (Robert Taylor) studiati alcuni rapporti d’uno scomparso collega, si convince che a sud di Aresh, nel deserto della Nubia, si trova la tomba del faraone Aposis, all’interno della quale dovrebbe trovarsi un sfinge di vetro. Organizza così una spedizione composta da uomini di fatica reclutati al Cairo alla quale si uniscono due avventurieri pronti a tutto, anche ad uccidere. I due, con un sottile stratagemma, trovano la complicità di una collaboratrice dell’archeologo e insieme a lei tentano di impadronirsi del tesoro. La situazione sembra volgere a loro favore, ma il viaggio è ancora pieno di imprevisti…

Note del Regista:
Questo è stato il mio quinto lungometraggio, subito dopo Duello nel Mondo.
Ancora una volta l’Egitto era il protagonista indiscusso di un mio film. Un Egitto bellissimo, sfruttato ancora poco dal cinema italiano e internazionale. L’archeologia mi aveva sempre affascinato e allora, mescolando un po’ di suspense, di amore, di avventura e alcuni reperti archeologici, venne fuori La Sfinge d’Oro.

Il film sarebbe dovuto uscire nelle sale cinematografiche con un titolo diverso,  La Sfinge di Vetro e infatti  la sfinge opera del bravissimo e famoso Carlo Rambaldi (il creatore di ET, per intenderci) era di cristallo ma poi, dato il successo del film Sette uomini d’oro,  il vetro fu cambiato in oro…

Il cast era composto da attori importanti e molto noti. Una meravigliosa Anita Ekberg, magrissima come apparve solo in questo film e Robert Taylor, il mito di due generazioni, considerato un vero divo del cinema americano (Troppo amata, Il Ponte di Waterloo, Un americano ad Oxford e tanti, tanti altri film) nonché marito di Barbara Stenwyck.
Accanto a loro, attori spagnoli (Angel del Pozo) e il mio caro amico Giacomo Rossi Stuart, che ha lavorato accanto a me in quasi tutti i miei film. E poi tante, tantissime comparse egiziane.

Avevamo preso come alloggio una casa in mezzo all’acqua, su di un’isola del Nilo di cui ora non ricordo il nome. Era piena di fascino e anche un po’ misteriosa ma quello che ricordo più volentieri di quelle sere a fine lavorazione, era l’arrivo di Robert Taylor con un mazzo di carciofi che puntualmente puliva e cucinava. Si finiva sempre tutti intorno alla tavola, troupe italiana ed egiziana, e stavamo in allegria.

Che dire di Anita Ekberg? Forse in questo film è stata ancora più bella che nella Dolce Vita di Fellini. Magra, statuaria, con quegli incredibili occhi azzurri che ti piantava addosso. Memorabile fu una carrellata su tutto il suo corpo, partendo dalla pianta del piede per salire su fino alla testa mentre lei, in costume, stava prendendo il sole sulla terrazza.

L’antagonista di Anita era Gianna Serra che arrivava sulla scia di una affettuosa amicizia con l’avvocato Agnelli. Non sempre il rapporto fra le due andò liscio: entrambe troppo belle e troppo prime donne. Ma per fortuna riuscimmo ad arrivare fino alla fine del film…

Luxor e Abu Simbel fecero da favoloso scenario al film. Come dimenticarsi delle colonne del Tempio di Karnek e della Valle dei Re ? Insomma, bisogna riconoscere che ho sempre scelto dei gran bei posti per girare le scene dei miei film.

Per ultimo, un aneddoto: a fine lavorazione Robert Taylor venne a Roma, e per festeggiarlo lo portammo a cena da Alfredo, bellissimo ristorante romano sempre in voga,  che in quegli anni frequentavo molto e conoscevo molto bene. A fine cena arrivarono dei suonatori e, in suo onore, accennarono ad alcune note del valzer delle candele. Gli occhi di Robert si coprirono di lacrime:  ricordi, nostalgia, ne aveva ben donde. Il Ponte di Waterloo aveva segnato il suo successo e la sua vita. Mancava solo Viviane Leight a quella tavola…

Un altro piccolo aneddoto è legato ad Anita:  in un giorno di riposo durante le riprese del film, Anita organizzò un picnic nel pieno deserto. Un posto che raggiungemmo chi a cavallo chi sul cammello. Eravamo in tanti, c’erano anche delle ballerine egiziane che con i loro tamburelli danzavano al suono dei loro strumenti. Molta allegria, molto folklore… ad un certo punto invitarono Anita e altri della troupe ad unirsi alle danze e la Ekberg improvvisò una bellissima danza del ventre.

Il film fu coprodotto dagli americani (American International Pictures, la stessa società che aveva prodotto tutti i film di Roger Corman). In America uscì con il suo titolo originale, The Glass Sphinx, e andò benissimo. In Italia, invece, il film andò solo discretamente.

La musica questa volta non fu affidata al mio amico Piero Umiliani ma a Roberto Pregadio. Nella versione americana del film, uscita l’anno successivo, le musiche furono firmate da Lex Baxter, uno dei più famosi compositori e direttore d’orchestra di Hollywood.

Sinossi:
Richard, un attempato ma ancora attraente direttore di un’agenzia pubblicitaria a Montreal, incontra Diana, una giovane ragazza ambigua che sembra essere perfetta come modella per il lancio di un nuovo profumo.
Durante una permanenza “forzata” su un’incantevole isola deserta, dove si erano recati  per realizzare il servizio fotografico, Richard si scopre innamorato della giovane Diana, che però si prenderà  crudelmente gioco di lui.

Note del regista:
Con la trilogia di Zeudi Araya, sembrava finita la serie dei film esotici, ma ci fu un ritorno al genere dopo che acquistai, dal giornalista e scrittore Alfredo Todisco, i diritti di un libro intitolato Il Corpo e pubblicato nel 1972.
Grazie ai produttori Carlo Ponti e Fulvio Lucisano nacque così La Notte dell’Alta Marea,  liberamente ispirato al romanzo di Todisco.
Il film fu girato tra il Canada (Montreal) e la Martinica, splendida isola caraibica.

Inizialmente gli interpreti dovevano essere Marcello Mastroianni e una giovanissima ragazza friulana che per me rappresentava l’ideale del personaggio che ispirò Alfredo Todisco: Dalila Di Lazzaro. Ma personaggi molto noti (credo per problemi di gelosia) si opposero e quindi il film saltò.
Poco tempo dopo, con l’aiuto della troupe canadese e di Lucisano, riuscimmo comunque a rimettere in piedi il film, e il ruolo della protagonista fu affidato a una giovanissima attrice platinata poco conosciuta, che il produttore sperava di poter lanciare in Italia.

La parte fu sua, e così nacque professionalmente Annie Belle, senza rimpianti…
Cambiò quindi il cast. Ed è l’ennesima prova di come, nel cinema, si possano cambiare le carte in tavola senza alterare la struttura artistica e tecnica dell’opera.

C’era Anthony Steel (al posto di Mastroianni), attore inglese conosciuto soprattutto come ex marito di Anita Ekberg e famoso per le sue scazzottate e bevute ai tempi della Dolce Vita a Roma,  che era stato due anni prima tra i protagonisti del film Histoire d’O (1975). Purtroppo Steel non comunicava quella carica erotica che imponeva il suo ruolo e che avrebbe dovuto avere nei confronti della sensuale ragazzina. Il motivo era da attribuire al fatto che Steel, a quei tempi, beveva molto e quindi era tutto più difficile. Non solo girare, ma anche trasmettere quelle sensazioni, quello sconvolgimento di passioni che dovevano venire fuori dal film.

C’era Annie Belle, giovanissima attrice francese, capace di sedurre gli uomini con la sua ambigua semplicità, che da poco aveva finito di girare i film La Fine dell’Innocenza e Laure.

C’era Pam Grier, bravissima attrice di colore americana, allora sconosciuta oltre oceano ma già icona del genere blackexploitation in America, grazie a film come Foxy Brown e Sheba. Bellissima, bravissima e con un corpo perfetto. Una vera professionista che ultimamente è tornata alla ribalta grazie a Quentin Tarantino, che l’ha scelta per un ruolo da protagonista in Jackie Brown.

Pam l’avevo notata proprio in uno dei miei viaggi in America e, quando ci trovammo a fare il cast del film, chiesi ai produttori canadesi di contattarla per offrirle un ruolo. Lei accettò subito e così ci ritrovammo insieme su quella meravigliosa isola caraibica.
All’alba, quando mi svegliavo per rivedere il piano di lavorazione, spesso mi capitava di affacciarmi alla finestra dell’albergo e vederla correre con una bellissima tuta bianca. Era così che lei si manteneva in forma e si caricava per poi iniziare a girare.

C’era poi Hugo Pratt, il grande Corto Maltese, che aveva accettato di sostenere una parte di coprotagonista. Non era mai successo prima.
- Perché hai accettato di lavorare con me come attore? – gli domandavo spesso.
- Per conoscerti meglio, per studiarti - mi rispondeva sempre, guardandomi profondamente negli occhi…
Con lui girai a Montreal parte del film. Scoprii che avevo ragione perché Hugo si dimostrò un ottimo attore, con una padronanza della recitazione che pochi professionisti hanno.

La sera non si parlava d’altro che di trarre un film dal favoloso Corto Maltese, adorato dai giovani universitari canadesi. Ma anche questo progetto affascinante, che ci vide coinvolti pochi mesi dopo negli studi della De Paolis, in un pomeriggio caldo d’estate, a fare i provini per trovare il vero volto di Corto, non decollò.
Rimase solo l’orizzonte infuocato dei suoi sogni. Gli stessi del suo eroe….
Il progetto di una trasposizione cinematografica di Corto Maltese è infatti rimasto per sempre nel cassetto, non solo nel mio ma anche in quello di Hugo, e l’unica pellicola realizzata sul personaggio Prattiano è un lungometraggio di animazione francese del 2002, che proprio in questi giorni mi è capitato di vedere su Sky, con un po’ di malinconia…

Ero un fan dei dischi di Timmy Thomas, li avevo tutti e li ascoltavo spesso. Soprattutto quel pezzo che lo rese famoso nel ’72: Why can’t we live together?.
Era venuto il momento di pensare alla musica di questo film un po’ melò e decisi così di chiamare Thomas a Miami, per sentire se voleva raggiungermi a Roma, per parlare di questo lavoro. Detto fatto, una sera arrivò a Fiumicino. Aveva visto il film che gli avevo fatto arrivare a Miami ed era stato così preso da voler iniziare subito la sua collaborazione assieme al solito, bravissimo, Piero Umiliani.
Ci fu un’intesa immediata e i due talenti si fusero. Passavamo molte ore nella villa di Piero. E’ così che nacque una bella amicizia, giocando tutti e tre a biliardo… E tra una partita e l’altra, interrompevamo per andare a scrivere la musica. Fu un periodo davvero esaltante.
Thomas quasi sempre era vestito di bianco, comprese le scarpe, e con un sorriso stampato sul viso che lo rendeva simpaticissimo.

Sinossi:
Le conseguenze dell’inquinamento sugli abitanti di un villaggio di pescatori giapponesi; alcune tecniche di psicoterapia di gruppo adottate negli Stati Uniti; la sperimentazione su animali degli effetti della droga; la fecondazione artificiale praticata in una clinica svedese; un ballo tra omossessuali a Londra; un’operazione al cuore del chirurgo americano De Bakey; un combattimento di cani in Giappone; l’educazione sessuale impartita ai bambini ciechi in Svezia; l’addestramento militare dei fanciulli palestinesi nel Libano; l’insegnamento delle tecniche anticoncezionali in Svezia; l’aborto a cura dello Stato e al tempo stesso la cura della sterilità femminile; la celebrazione della messa da parte di una donna-sacerdote; una scuola per bimbi focomelici, sono gli argomenti trattati da questo documentario-inchiesta.
(da: Il Cinematografo.it)

Note del regista:
La mia passione per il genere cinematografico Mondo Movie, iniziata nel 1963 con Sexy Magico e poi ripresa qualche anno dopo con Svezia Inferno e Paradiso (tralascio Angeli Bianchi, Angeli Neri che considero un capitolo a parte), mi portò ancora una volta a mettere in spalla la macchina da presa e a partire nuovamente per un altro bellissimo viaggio intorno al mondo per girare Questo sporco mondo meraviglioso.

Come già accaduto per Sexy Magico, girai questo film a quattro mani con il mio amico Mino Loy.
Questa volta riprendemmo soprattutto l’America del Nord, dove i cambiamenti di una città malata erano più evidenti e anche più scioccanti.

Se ripenso a quel viaggio cinematografico in quel mondo perduto non posso far altro che pensare alla morgue del Kennedy Hospital di New York, con i cassetti pieni di schede di ragazzi morti per droga, che il medico di turno sfilava per mostrarmele, quasi con orgoglio professionale.
O l’insegnante del sesso ai giovani ciechi svedesi, o le decine e decine di comunità religiose che spingevano gli adepti a rifiutare le medicine che, altrimenti, avrebbero salvato loro la vita.

C’era una località in Giappone, Minamatà, dove decine di migliaia di persone avevano subito danni permanenti e i bambini nascevano storpi, perché gli abitanti di quell’isola mangiavano pesci inquinati da scarichi di mercurio riversati da una azienda chimica locale. Erano immagini veramente impressionanti. Pensate che da allora non ne ho più sentito parlare, né al cinema ho più visto immagini come quelle…

Un capitolo bellissimo era dedicato alle vittime del talidomide: quel prodotto farmaceutico ritirato nei primi anni sessanta e che somministrato alle donne in gravidanza aveva fatto nascere migliaia di bambini senza arti. Fui l’unico ad entrare in questo centro in Svezia dove si trovavano questi bambini, ormai cresciuti e affetti da una terribile malformazione. Ebbi, per non so quale miracolo, il permesso di riprenderli e di passare un po’ di tempo con loro.
Ed è lì che incontrai Peter, anche lui vittima di quel farmaco: era ridotto a un moncherino ed era cieco, ma riusciva a comunicare con le labbra che scorrevano su un nastro “braille” computando, parola per parola, una favola: “C’era una volta un mondo meraviglioso, ma gli uomini non se ne accorsero e cominciarono a distruggerlo fin quando Dio si dimenticò di loro, perché non avevano mai imparato ad amarlo attraverso la vita. E lasciò che essi conclusero la loro opera di distruzione. Fin quando rimase solo una spiaggia e fu laggiù che coloro che erano sopravvissuti, un giorno videro nascere, ancora una volta, il sole…”

Il film purtroppo uscì e passò quasi in silenzio: a mio avviso era arrivato tardi rispetto ai suoi tempi. Ormai, il genere stava tramontando, e inoltre il film non fu sostenuto da una distribuzione valida.

E’ sicuramente il miglior documentario della mia carriera: avevo intervistato personaggi pericolosi, filmato scene e storie “scomode”, denunciato situazioni che non si erano mai viste. Ma la censura, per farlo uscire nelle sale cinematografiche (con il divieto ai minori di 18 anni!!!), aveva tagliato più di 250 metri di pellicola.
Tanto è vero che con i tagli di questo film, gli scarti e le scene girate e mai montate, abbiamo montato in fretta e furia un altro film: I Vizi Segreti della Donna nel Mondo (1972), dove però mi firmai con lo pseudonimo di Silvano Secelli (in onore delle isole Seychelles di cui avevo appena sentito parlare e nelle quali avrei poi ambientato il mio film successivo: La ragazza dalla pelle di Luna).
Questo film, che uscì comunque nelle sale cinematografiche e che era sicuramente inferiore, sotto il profilo dei contenuti, a Questo sporco mondo meraviglioso, ci permise di recuperare parte dei soldi persi con il precedente film.

Sempre di Piero Umiliani la colonna sonora originale del film. Per l’ennesima volta, devo dire, un vero capolavoro! Bellissimi i brani con le voci soliste de “I Cantori Moderni” di Alessandro Alessandroni (il brano Luna di Miele, per esempio, vale ancora oggi la pena di ascoltarlo e riascoltarlo).